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Bien choisir son revêtement de sol Les espaces de travail sont avant tout destinés à la concentration pour travailler, échanger, créer en toute tranquillité depuis son ordinateur et dans un cadre adapté. Les espaces de bureau doivent être à la fois confortables et agréables pour les utilisateurs. Les revêtements de sol choisis pour vos bureaux doivent être en accord avec le style de votre entreprise, le design et l'ambiance choisie, dans un environnement apaisant et invitant au travail. Aujourd'hui, les univers modernes souvent proposés sont intimistes, cosys, rappelant bien souvent l'univers de la maison. Sol et Parquet. Revêtements de sol pour bureau: Les dalles moquettes Nous proposons souvent des dalles moquettes bureau provenant de nombreux fabricants français et européens avec lesquels nous travaillons tels que Milliken, Desso, Balsan. Ces grands fabricants offrent des revêtements de sol adaptés à tous les styles de bureaux quelle que soit votre activité professionnelle. La moquette comporte de nombreux avantages.
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Finition protectrice En matière de protection du parquet, il existe 3 sortes de finitions protectrices: Le verni brillant, avec un nombre de couches variables de bouche pore, et de primaire, et d'une finition décorative; Le verni mat, composé de 7 couches de bouche pore, de primaire et d'une finition décorative; La finition huilée, avec 2 couches d'huile en surface (donne de la profondeur et souligne le veinage du bois). Bureau avec sol parquet.fr. Finition esthétique Pour apporter au parquet un design particulier, plusieurs finitions esthétiques sont aussi possibles: La finition brossée, pour faire ressortir le veinage, en brossant mécaniquement le bois; La finition cérusée, pour faire ressortir le veinage, en incrustant de la résine blanche; La finition étuvée, pour stabiliser le bois et affirmer la teinte, en confrontant le bois à la vapeur d'eau; La finition chanfreinée, pour créer une rainure en V, en biseautant les bords des lames. Quelle essence de bois pour un parquet? Il existe plus de 50 essences de bois différentes utilisées pour concevoir un parquet.
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Japonaiseries: Pruniers en fleur, Van Gogh Cours d'histoire de l'art sur le japonisme dispensé par Anna Muller à Brioude le 13 mars 2019 Le parallélisme avec la Pruneraie à Kameido d'Hiroshige est presque totale, comme on peut le constater ci-dessous. A gauche, Pruneraie à Kameido d'Hiroshige, dont s'est inspiré Vincent Van Gogh pour Japonaiserie: Pruniers en fleurs (à droite). Iris, van Gogh Iris, Van Gogh « Le bleu et le graphisme des Iris » de Van Gogh sont le résultat du japonisme », juge Anne Muller, même si elle concède que le dessin est plus « tourmenté ». Avec ses conférences, à Brioude et ailleurs, Anne Muller veut rendre l'histoire de l'art accessible à tous Daniel Lauret
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Lors de l'Exposition universelle de 1867 à Paris, le public est frappé par le raffinement et la modernité des estampes japonaises. L'année suivante, le Japon émerge d'une longue période d'isolement et signe de nouveaux traités commerciaux. Très vite, les boutiques françaises croulent sous les porcelaines, les paravents et les estampes que de nombreux peintres impressionnistes, tels Vincent Van Gogh et Claude Monet, se mettent à collectionner fiévreusement! « Sans être jamais allé au Japon, chaque peintre tire ses propres leçons de l'art nippon », précise Marina Ferretti, directrice scientifique du Musée des impressionnismes de Giverny. Dressons une liste de leurs enseignements. Règle n°1: des supports exotiques Avec l'art japonais, les peintres découvrent de nouveaux formats et techniques: Pierre Bonnard crée un paravent, certains adoptent le format kakemono, vertical et étroit, et beaucoup (comme Henri Rivière, Mary Cassatt, Bonnard et Toulouse-Lautrec) pratiquent l'estampe. Plus étonnant encore, de nombreux artistes dont Signac, Degas, Gauguin et Pissarro peignent des éventails qu'ils décorent de paysages champêtres ou parisiens.
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La leçon de l'art japonais assimilée au début du XXe siècle, les peintres se libèrent de l'imitation de la nature dont ils ne retiennent que l'essentiel, son pouvoir d'évocation poétique. Vallotton peint d'éblouissants couchers de soleil à deux dimensions et Bonnard élabore les féeries chromatiques qui ne tarderont pas à inspirer les maîtres de l'abstraction des années 1950. Monet décrit inlassablement l'univers bleuté de son jardin d'eau où la végétation et le ciel se mêlent inextricablement dans un jeu de reflets colorés. Plus d'informations Date: jusqu'au 15 juillet 2018 Lieu: Musée de l'impressionnisme, 99 Rue Claude Monet, 27620 Giverny Site officiel:
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Le Bassin aux nymphéas, harmonie verte est un tableau réalisé par le peintre impressionniste Claude Monet en 1899. Appartenant à la série des Nymphéas, il est actuellement conservé par le musée d'Orsay, à Paris. Il représente un pont au-dessus d'un bassin de nénuphars. Historique [ modifier | modifier le code] 22 novembre 1900: Isaac de Camondo achète le tableau et le lègue à l'État à sa mort en 1911. 1911: attribué au musée du Louvre, Paris de 1914 à 1947: exposé au musée du Louvre de 1947 à 1986: Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris depuis 1986: musée d'Orsay, A Paris Composition [ modifier | modifier le code] Le sujet principal de la toile est le pont de bois qui enjambe l'extrémité du bassin. La forme arquée de cette passerelle peinte en vert et de son garde-corps lui ont valu le nom de « pont japonais ». En 1895 (probablement inspiré d'une des estampes japonaises de sa collection), deux ans après sa construction. L'exubérance de la végétation fait davantage référence aux jardins méditerranéens.
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Collection particulière © Tous droits réservés Le code a changé Qui aurait pu imaginer qu'une culture si étrangère à la nôtre pouvait faire son nid dans notre imaginaire artistique et l'influencer à ce point? L'exposition du musée des Impressionnismes, à Giverny (Eure), propose de pister, en partant des œuvres, l'impact du japonisme sur les générations de peintres de 1870 à l'aube du XXe siècle. En un mot: montrer comment le code a changé. Car les impressionnistes ne sont pas les seuls à avoir été stimulés par cette inventivité radicalement étrangère à la nôtre. L'héritage nippon se répercute. Si les impressionnistes ont gagné en liberté, les post-impressionnistes, Van Gogh ou Gauguin, la creusent davantage et y affûtent leur goût pour le primitivisme, le lointain, à l'image de ces personnages frustes, campés comme des guerriers japonais par Van Gogh, sur fond de hachures grossièrement texturées, exactement comme s'ils étaient reproduits sur du papier crépon. Les pointillistes, tels Cross, Signac ou Seurat, affinent et affirment leur goût délibéré pour le décoratif, un raffinement asiatique se déployant dans une parfaite harmonie des couleurs.
Cap sur le Japon, fascinant pays du Soleil levant! Organisée par le Museum of Fine Arts Boston, cette exposition explore cette rencontre fructueuse entre l'Orient et l'Occident, entre la fin du 19e siècle et la fin de la Belle Époque, en présentant des estampes ukiyo-e ou « images du monde flottant » ainsi que des pièces d'art décoratif japonais, en dialogue avec des tableaux, des estampes et des objets raffinés produits en Europe et aux États-Unis par des artistes de renom. Les quelque 130 œuvres de l'exposition – mettant en valeur une centaine d'artistes japonais, américains et européens – Vincent Van Gogh, Claude Monet, Henri de Toulouse-Lautrec, Henri Matisse, Edgard Degas, Édouard Vuillard, Edvard Munch, Paul Gauguin, Mary Stevenson Cassatt, Louis C. Tiffany, William H. Bradley, etc. – proviennent de la collection du musée bostonnais qui possède l'une des plus riches collections d'art japonais, américain et européen de cette époque, l'une des plus réputées au monde. Utagawa Hiroshige I; Éditeur: Uoya Eikichi, Bamboo Yards, Le Pont Kyôbashi (Kyôbashi Takegashi), de la série Cent vues célèbres d'Edo (Meisho Edo hyakkei), période Edo, 1857 (Ansei 4), 12e mois, gravure sur bois (nishiki-e); encre et couleur sur papier, Collection William Sturgis Bigelow, 11.